Pseudocine

Doce Impressão

2011-09-12T08:47:00.001-07:00

Remake - Antes que o Diabo Saiba que você está Morto

2011-09-12T08:45:00.000-07:00

Vídeo Biografia - Diretor - Sidney Lumet

2011-09-12T08:42:00.000-07:00

Seminário Sidney Lumet from Cleber Gomes on Vimeo.

Vídeo Biografia - Diretor de Fotografia - Giuseppe Rotunno

2011-09-12T08:38:00.001-07:00

Crítica - Laranja Mecânica

2010-11-13T20:02:00.001-08:00

Por: Ligia Helena

Laranja Mecânica

O filme trabalha muito no lado psicológico dos personagens. Por esse motivo ele trabalho uma estética diferenciada.

Na primeira parte do filme, antes de Alex ser preso, os movimentos de câmera, os cenários, figurinos e etc, acompanham a insanidade transmitida pelo personagem.

Figurino da gangue de Alex

Alex que se grupo sempre se vestem de roupas brancas e pretas e contra-posição com os figurinos extremamente coloridos aos demais personagens. Alex ainda usa lápis nos olhos.

Já os cenários possuem uma arquitetura um tanto futurista, psicodélica. Principalmente ao que diz respeito ao Q.G. da gangue. Que possui paredes negras com palavras escritas em branco e muitas lâmpadas espalhadas, decorado por estátuas brancas de mulheres nuas com perucas coloridas em posições eróticas. Alias, há um grande numero de figuras eróticas em todo o filme.

Nessa metade do filme também há um grande trabalho de câmera, muito uso de travelling, como na cena onde Alex seduz duas adolescentes na loja de discos. Há também o uso de câmera na mão na cena em que ele ataca a dona de um Spa. E de câmera em ângulo na cena em que os druguis invadem a casa de um escritor e estupram a sua mulher.

Mas, na metade do filme em que Alex é preso, toda a palheta de cor muda e fica mais cinza e não há tanto trabalho com a câmera. Tanto os figurinos quanto cenários ficam mais sóbrios, como que acompanhado a mudança na vida de Alex. De líder de uma gangue de arruaceiro a um cidadão inofensivo que não pode nem se defender.

Tal contraste aparece na cena final, onde ele tem delírio no qual faz sexo na frente de muitas pessoas da alta sociedade.

O filme também tem como trilha sonora musicas clássicas, principalmente Beethoven, predileto por Alex.

Método Ludovico

O próprio filme trabalha em seu contexto o behaviorismo. Quando o personagem principal é preso e passa pelo tratamento Ludovico, os médicos fazem com que ele pare de cometer qualquer tipo de violência a partir de uma terapia que fazem com que ele relacione a dor com a violência.

Esse método pode ser facilmente associado à teoria de punição do behaviorismo radical. Já que ele faz com que o paciente iniba qualquer ação violenta por associar a dor da punição recebida. Assim com um rato que leva um choque quando não se comporta conforme o cientista acha mais apropriado.

Tanto o rato como Alex mudaram seu comportamento para pararem de sentir a punição, que no caso é a dor.

Minutão - "A torrada nossa de cada dia"

2010-11-13T19:58:00.001-08:00

Curta de um minuto realizado em 2009 no festival interno de curtas da Metodista.

"A torrada nossa de cada dia" from Curta 1 Minuto on Vimeo.

Coraline - Crítica

2010-11-13T19:54:00.000-08:00

Por: Ligia Helena

Coraline trabalha, assim como qualquer obra de Neil Gaiman, com o a magia e lado sombrio das coisas. Em Coraline, ela se vê entre dois mundos: Um real, mas chato e outro fantástico, mas assustador.

O contraste entre os dois mundo

Isso se mostra no filme através da mudança na palheta de cores. No mundo real, Coraline esta em um mundo acinzentado e envolvido pelas cores frias principalmente o azul marinho. Já no mundo atrás da porta Coraline esta envolta com muitas cores e formas e há um predomínio das cores quentes, principalmente o amarelo canário. Esse uso de cores para ambientação também pode ser visto em outro filme de animação, "A noiva Cadáver" de Tim Burton. No mundo dos vivos, onde há hipocrisia e tristeza, tudo é cinza e triste. No mundo dos mortos, onde as coisas fúteis da vida já não servem para nada, tudo é feliz e colorido. Mas em Coraline, a história é diferente. O mundo atrás da porta nada mais é que uma armadilha para crianças venderem suas almas, por isso ele é tão maravilhoso e colorido. Entretanto, Coraline é muito esperta, e não cai, obrigando a falsa mãe a seqüestrar os pais da menina. Então, de repente, o mundo que era tão lindo vira um mundo assustador e com ele some todas as coisas bonitas.

Outro fator estético que ajuda a dar o clima de terror no filme é o uso da geometria. Que aparecem desde as árvores secas e altas até o gato preto que ajuda a menina e as teias macabras de aranha da falsa mãe. Mais uma vez podemos ver as mesmas características em outro filme de Tim Burton, "O estranho Mundo de Jack", onde tudo parece muito fino e comprido comparado com mundo do Natal. Isso em conjunto com a trilha sonora estrumental eclética, que vão do piano e coral até chilofone, passam o clime de sombrio e mistério.

Pro outro lado, há também grande uso de metáforas e simbolismo relacionados a crenças populares e misticismo em todo filme. O gato preto, guia de Coraline, considerado na mitologia com um portal para o mundo dos espíritos, além de também conseguir passar para o outro lado sem a chave ganha capacidade de falar no outro mundo. Os olhos são considerados as janelas da alma, quando a criança vende sua alma para a outra mãe o trato é selado costurando botões nos olhos. As crianças que perderam a alma ficam presas no espelho, ter reflexo no espelho representa a posse de alma, vampiros não tem reflexo, pois não tem alma. Entre outras coisas.

Mercadológicamente, quando foi lançado, Coraline saiu em 3D, o que na época estava começando a voltar à moda graças ao sucesso do filme de James Cameron "Avatar". Outro fator importante é o nome do autor do livro que deu origem ao filme, Neil Gaiman. Já com alguns sucessos adaptados para o cinema tal como "Stardust - O mistério da estrela", Gaiman tem uma lista considerável de fãs que ajudou em sua bilheteria. E por fim, o atual progresso do mercado de animações como os títulos “A era do Gelo", que acabaram acabando com o monopólio da área da gigante Disney.

O interessante sobre a temática do filme é que por mais estranho e, por mais fantástico e mágico que ele seja, não deixa de ser atual. O filme trabalho com uma coisa que muitos se identificam: o desejo de viver num mundo ideal, aonde tudo é o jeito que sempre desejamos, ao invés do mundo chato e triste que temos que aturar todo dia quando acordamos pela manhã. Onde somos obrigados a, muitas vezes, fazermos o que não queremos. Mas ao mesmo tempo perigosa. Pois tudo tem o seu preço, e é isso que mostra o filme. E nem sempre esse preço é tão justo assim.

Ele também trabalha com o a psicanálise. Para conseguir seduzir as suas vítimas, a falsa mãe, trabalha com os desejos mais profundos das crianças e os transforma em real no mundo dos sonhos. Então a criança acorda e volta à vida normal e anseia mais ainda pelo o que sonhou. Ou seja, ela trabalha o inconsciente das vítimas, aquilo que está escondido nas profundezas da mente para criar um mundo perfeito baseado no naquilo que seria os ideais inconscientes da pessoa, que geralmente é o oposto do seu mundo real.

EXERCICIO DE REFILMAGEM - A Marca da Maldade

2010-07-19T13:10:00.000-07:00

A MARCA DA MALDADE

Por: Ligia Helena

O filme trata da natureza sombria das pessoas, o policial corrupto, o gangster vingativo, o amante interesseiro, o policial obcecado pelo trabalho, etc. Por essa razão o filme é bem escuro. Desde o tempo e lugar onde acontece a ação, passando pelo figurino, até chegando à fotografia.

A maior parte do filme acontece em externas de noite ou internas. E, dependendo da cena, até as internas são mal iluminadas. Que é o caso da cena em que o personagem Grandi é assassinado pelo detetive. Nessa cena a luz está apagada e o que pouco que podemos ver é devido à luz que entra pelas janelas, e essa luz que entra pelas janelas vem do luminoso que fica piscando lentamente, quase como pulsando como um coração, assim em toda a cena há uma variação de luz. Dando a cena dessa forma mais dramaticidade. Em relação à Mise-en-scène, podemos dizer que ela trabalha junto com a construção de personagem. A esposa de Vargas, a única real vitima entre todos os personagens da história esta na parte mais iluminada da cena perto da janela em volta pelos lençóis brancos, nessa cena e na maior parte do filme seu figurino é composto por roupas claras em relação aos demais personagens. Já o detetive e o assassinado, além de usarem roupas de acordo com os perfis dos personagens, usam roupas mais escuras e ficam a maior parte do tempo na penumbra. Outro filme que usa a mesmas técnicas pra auxiliar a construção de personagem é clássico expressionista alemão “O Gabinete do Doutor Caligari” (1920) de Fritz Lang, na cena em que o sonâmbulo rapta a mocinha. O sonâmbulo na penumbra e a mocinha envolta por lençóis brancos.

Como qualquer filme noir, “A marca da maldade”, tem bastante contraste, ângulos de câmera ousados e sombras dramáticas, bem marcadas e muitas vezes projetadas. É o caso da cena em que a gangue de Grandi ataca à senhora Vargas no hotel. Para dar a impressão e a sensação de que o quarto está sendo invadido por muitas pessoas que estão cercando ela, é mostrada uma série de sombras passando na frente do rosto dela. Outro filme que usa a sombra do vilão projetada sobre á vitima para dar mais impacto e suspense é outro clássico expressionista “Nosferatu” (1922) de F. W. Murnau na cena em que Drácula ataca a mocinha durante a noite.

Agora compare a cena original com a refilmagem:

As Fotonovelas

2009-10-12T19:49:00.000-07:00

Estreiando a coluna de conteúdo estou colocando a pesquisa realizada sobre as fotonovelas. Descubra mais sobre essa arte.

AS FOTONOVELAS

Edição: Ligia Helena.
Tradução: Kelly Ribeiro.
Revisão: Natália Nonato.

1.Origem e história

As fotonovelas, assim como os quadrinhos, encontram-se no grupo da 9ª arte, a arte seqüencial. Elas tiveram origem oficial na década de 40 na Itália, onde são chamadas por fotoromanzi ou fumetti (palavra italiana que se refere a todos os tipos de quadrinhos). Entretanto, pode-se dizer que a fotonovela teve grandes influências de dois tipos de meios de comunicação antecessores: o folhetim do século XIX e os vitrais que contam histórias religiosas nas catedrais e nas igrejas católicas.

A fotonovela é motivada pela crescente popularização do cinema e a fama dos atores, um exemplo disso seria o ator italiano Tony Kendall que foi descoberto pelo aclamado diretor italiano Vittorio de Sica através de uma fotonovela. A estabilização e o aperfeiçoamento técnico da fotografia, o acesso mais ou menos difícil de um público geral ao cinema e a limitada ou inexistente difusão da televisão são também fatores importantes para o surgimento e sucesso da fotonovela. O neo-realismo em voga na Itália determinou as descrições quotidianas e a temática urbana e realista presente nas fotonovelas. Os iniciadores da fotonovela foram Stefano Reda e Damiano Damiani que começaram por publicar em revistas adaptações de filmes de sucesso (o chamado cine-romance que adaptou obras como “O Conde de Monte Cristo”, “O Monte dos Vendavais”, “Ana Karennina”, e “A Dama das Camélias”s). Essas primeiras fotonovelas eram protagonizadas por atores populares e as revistas tentavam realçar um determinado tipo de imagem do ator em questão.

Mais tarde a fotonovela torna-se independente do cinema e caracteriza-se pelas suas intrigas sentimentais (a heroína é quase sempre uma moça de origem modesta que sonha com um amor cheio de obstáculos e dificuldades, mas que no final sempre atinge o seu objetivo), as personagens não demonstram um grande desenvolvimento psicológico e são sempre estereotipadas (os bons são sempre bons e os maus arrependem-se no final e sofrem as conseqüências), predomina-se o imaginário exótico, e, mais tarde, o suspense e o sexo. Os temas variam, vão desde problemas afetivos, sociais, procura de uma carreira de sucesso, á justiça na sociedade, a ascensão social, a marginalidade, etc.

Na época do surgimento da fotonovela o público era majoritariamente feminino e culturalmente pouco exigente, com pouca formação e com um baixo poder econômico. As revistas de fotonovela tinham apenas como finalidade a transmissão dos princípios éticos, morais e sociais concordantes com o sistema de valores da ideologia dominante através da integração da mulher na sociedade urbana.

Na França, a primeira fotonovela surge em 1949 e a sua expansão para Luxemburgo e Bélgica acontece logo depois. Na Espanha, a fotonovela surge no fim dos anos 60 e conta com um público bastante extenso. Mais tarde, a fotonovela chega à América Latina e a África do Norte (a maior parte das revistas são traduções dos originais italianos). Mas este fenômeno não teve grande ocorrência no mundo anglo-saxônico.

Apenas alguns filmes e séries americanas populares foram adaptados para o formato de fotonovela na década de 70, incluindo “Grease – Nos Tempos da Brilhantina”, “Embalos de Sábado á Noite”, “Rocky II”, “Contatos Imediatos do Terceiro Grau”, “Battlestar Galáctica” e “Star Trek: O filme” (doze episódios originais da série de TV “Star Trek” também foram adaptados para fotonovelas). As adaptações eram geralmente versões abreviadas do roteiro compostas de fotos das cenas do filme ou série original. Essas fotonovelas obtiveram popularidade por um breve período, no entanto, o mercado para todas essas adaptações desapareceu com o advento do vídeo e a publicação destas começou a diminuir rapidamente no início de 1980. A fotonovela é um produto de literatura de massas tipicamente latino. No Brasil, a revista “Sétimo Céu” era o principal meio de lançamento de fotonovelas.

A articulação narrativa da fotonovela é semelhante à dos quadrinhos: uma fotografia que apresenta um plano da ação acompanhado do texto verbal que reproduz o discurso das personagens, funcionando também como legenda ou resumo. O caráter realista da fotografia impede o uso de símbolos ou onomatopéias. O encadeamento da ação é lógico e cronológico, utilizando-se muitas vezes o recurso da elipse. A ação é, muitas das vezes, arrastada ao longo de vários números de uma revista, o que aproxima a fotonovela do romance-folhetim do séc. XIX e do folhetim radiofônico. O narrador desempenha um papel importante na fotonovela uma vez que, para além de elucidar o leitor sobre a ação, enuncia também juízos de valor, conclusões de teor moral, que justificam o comportamento das personagens e controlam a ação, retardando-a e alongando-a. A linguagem utilizada nas fotonovelas é normalmente redundante e expositiva para evitar a possibilidade de dúvidas. Ainda hoje as fotonovelas aparecem em algumas revistas, em anúncios ou campanhas publicitárias ou de esclarecimento à população (como por exemplo, prestar esclarecimento a respeito de uma dada doença).

Relativo à fotografia, nem sempre as fotonovelas possuem grande qualidade uma vez que a preocupação do consumo rápido e imediato das revistas e a preocupação do lucro fácil sobrepõem-se a uma maior noção artística. Os planos e os enquadramentos utilizados nas fotografias são quase sempre retirados do cinema.

2. A fotonovela nos tempos atuais

2.1 As novas fotonovelas

Mais recentemente, “webcomics” (tiras online) repaginaram o formato das fotonovelas, que agora são direcionadas para o público jovem com as “photocomics”, das quais títulos como “Night Zero”, “A Softer World” e “Alien Loves Predator” têm ganhado a atenção dos internautas. Em 2007, o “Web Cartoonist's Choice Awards” incluiu a categoria de "Melhor HQ Fotográfica", o que comprova uma aceitação do novo gênero.
Muitos artistas usam brinquedos e figuras de ação ao invés de fotografar os atores humanos em suas webcomics.

Os brinquedos mais comumente utilizados são figuras de ação, como “Stikfas”, “Godzilla”, “Lego”, “G.I. Joe” e “Transformers”. O artista cria cenários, adereços e acessórios em miniatura para desenvolver o mundo no qual os personagens estão inseridos. O material utilizado para tal é geralmente barro, são utilizados, por exemplo, papel machê, entre outros materiais para artesanato.

Encontram-se também várias paródias humorísticas no formato de fotonovelas de sucessos cinematográficas, tais como esta sátira da trilogia “O Senhor dos Anéis”, de Peter Jackson.

2.2 A fotonovela como recurso pedagógico
Com base na filosofia do brasileiro Paulo Freire sobre solução de problemas educacionais, a educadora canadense Laura Nimmon (doutoranda na Universidade da Columbia Britânica em Linguagem e Alfabetização de grupos marginalizados) desenvolveu um interessante processo de criação de fotonovelas visando envolver seus alunos em um diálogo crítico sobre o seu mundo.

Após meditarem sobre sua percepção do mundo, os alunos codificam a sua realidade, escrevendo uma história sobre um tema importante para eles e depois o representam utilizando a fotografia como um meio para externar a sua história e mensagem.

O formato de fotonovelas desafia os métodos de ensino tradicionais ao fornecer oportunidade para que o aluno se torne o assunto principal no processo pedagógico. Assim, os “aprendizes” se tornam ativos transformadores do processo histórico através do estímulo e desenvolvimento da sua própria voz. Ao aproveitar a capacidade criativa dos alunos ocorre uma espécie de restauração da ação humana no processo de construção de significados, iluminando experiências subjetivas e hábitos pessoais.

Os experimentos de Laura Nimmons podem ser analisados no site Photonovela.

Fontes: Verbetes, Rainha da paz, Jornalismo da Revista, Unifan, Cultura Livre na Web, Wikipédia- Photonovel, Wikipédia - Fumetti, Photonovel, Photonovela, Crepusculo.

Análise: O Homem que ri - parte 07

2009-09-19T14:25:00.000-07:00

Para finalizar com chave de ouro a análise do filme "O homem que Ri" temos a análise de metáfora e símbolos feita pela Kelly.

7. Metáforas e Símbolos

Em “A Linguagem Cinematográfica”, Marcel Martin define um símbolo como uma imagem que convencionalmente designa algo e uma metáfora como a justaposição de duas imagens para a produção de um efeito psicológico que permita ao espectador uma assimilação das ideias implícitas no filme.

O roteirista Christopher Vogler disse que no cinema, uma metáfora é uma comparação que nos ajuda a compreender por analogia alguma característica de nosso ser. É um modelo de algum aspecto do comportamento humano.

Não é possível fazer um bom filme somente com metáforas e simbolismos (exceto, é claro, quando se trata de uma proposta experimental), porém é inegável que o uso de tais recursos acrescenta bastante à narrativa, conferindo-lhe profundidade e auxiliando a construção do enredo ao mesmo tempo em que nos ajuda a explorar a psique dos personagens, sem recorrer continuamente a diálogos.

Isto é uma prerrogativa inestimável em filmes mudos como “O Homem Que Ri”, que se beneficia de símbolos e metáforas de diversos tipos com uma exímia habilidade, obtendo resultados eficientes. Ao ser levado para a Dama de Ferro, lorde Clancharlie é mostrado numa interessante metáfora plástica (i.e. analogia de estrutura) que remete a mártires católicos.
Esta mise-en-scène, constituída pelo prisioneiro entre seus dois carrascos sendo levado à tortura, é frequentemente notada em quadros e gravuras como a lado e adquiriram, com o passar dos séculos, conotação de inocência sendo punida, o que reforça a dignidade do pai de Gwynplaine e subentende que sua prisão foi injusta, apesar de não terem sido fornecidas nenhuma informação completa o suficiente que explique o porquê que ele foi preso torturado, com exceção de uma fala do rei que diz: “Então, o rebelde orgulhoso que se recusou a beijar nossa mão retornou do exílio para beijar a Dama de Ferro.”

Quando Gwynplaine, aos oito anos de idade, é abandonado pelos Comprachicos (cena 1 do video abaixo), ele vaga pela neve e ao chegar à forca onde alguns cadáveres estão dependurados, há uma composição simbólica de imagem na sobreposição da sua pequena figura errante com a os cadáveres balançando ao vento da tempestade de neve, numa alusão ao destino mais provável do garoto: a morte.

Paul Leni reutiliza este artifício na primeira vez em que vemos Dea crescida, ela está dentro da van de Ursus rodeada de flores brancas, um símbolo de beleza, pureza e ternura, reforçado, como já dito anteriormente, pelas suas roupas claras. Assim, desde sua primeira aparição, Dea é envolta numa aura de candura que constitui a principal característica da personagem.
Mais adiante, vemos outra composição de quadro interessante com um símbolo dramático:
Enquanto Gwynplaine se apronta para o espetáculo, Dea olha para ele, que por sua vez está absorvido pela própria imagem grotesca. Após alguns segundos, ele fecha o espelho e vemos o símbolo da comédia e tragédia (cena 2 do video abaixo). A tragédia de Gwynplaine (i.e. sua deformidade física) é a comédia da platéia, o que lhes causa riso. Envolvido na amargura desta ironia, Gwynplaine não faz jus aos sentimentos que Dea lhe dedica por achar-se indigno delas.

A ambigüidade, a hipocrisia e leviandade do comportamento da Duquesa Josiana é mostrada de maneira simultaneamente simbólica e metafórica na transição da seqüência da sala de concertos real para as cenas de Josiana na Feira de Southwark: a rainha e outras nobres olham para a cadeira oficial vazia de Josiana, ocorre um primeiro plano de seu brasão e em seguida há uma fusão para a cadeira do carrossel aonde ela senta, numa outra analogia de estrutura (cena 3 do video).
A cadeira e o brasão simbolizam a origem nobre e as responsabilidades reais de Josiana, que foram negligenciados por ela. O carrossel é comumente associado à infância e conseqüentemente à imaturidade ou mesmo irresponsabilidade.

Uma metáfora dramática interessante é a cena na qual a silhueta de Dea é vista através das cortinas de sua cama após encontrar o bilhete perfumado de Josiana (cena 4 do video). Esta é uma das poucas cenas na qual ela é mostrada obscurecida, um reflexo de seu estado de espírito perante a indagação de onde estaria Gwynplaine e o que seria aquele bilhete.

A natureza do relacionamento entre Gwynplaine e Josiana é ilustrada de uma maneira interessante pelos lençóis e travesseiros de seda, que são símbolos comumente associados à luxúria, em que consiste a atração de um pelo outro.

Porém, este breve envolvimento entre os dois não muda o fato de que Gwynplaine e Dea têm seus destinos entrelaçados. Há duas metáforas que marcam isto durante o filme:
Quando Gwynplaine está a caminho da Câmara dos Lordes para ser ordenado, sua carruagem se enrosca na de Dea, que estava a caminho das docas, e ele fica impossibilitado de seguir adiante da maneira planejada por Barkilphedro. Ou seja, o destino de ambos está entrelaçado e nada poderá impedir.

Depois da apresentação na qual vê Josiana pela primeira vez, Gwynplaine está introspectivo nos bastidores defronte a uma espécie de painel de tecido ilustrando um barco navegando embaixo de um sol acolhedor, o que prenuncia o final feliz da história, no qual Ursus, Dea e Gwynplaine fogem de navio ao amanhecer após terem driblado todos os obstáculos que os separavam.

Análise: O Homem que ri - parte 06

2009-09-12T09:56:00.000-07:00

Aproveitem agora a parte 6 da análise escrita pelo Cleber.

6.Elipses

Elipse é o nome dado à técnica de se subtrair informações que não são necessárias de se explicitar, mas sem tirar o sentido da sequência narrativa. As elipses podem ser classificadas em: tempo, conteúdo e estrutura.

Um bom exemplo de elipse de tempo no filme "O Homem Que Ri" pode ser encontrado logo no começo da história: vemos uma cena que possui um fundo escuro, iluminada apenas por uma faixa de luz e a sombra de um garoto (Gwynplaine) carregando um bebê. Conforme a luz vai se extinguindo, uma outra imagem é sobreposta ao fundo escuro até ficar completamente visível e mostrar o garoto chegando perto de uma casa. Nesse caso, a elipse consiste na supressão do trajeto que o garoto fez até que chegasse naquela casa.

Já uma elipse de estrutura é dada perto do final do filme, onde temos Gwynplaine na corte da rainha junto aos nobres (ver vídeo- cena 2). Ao verem seu "sorriso", estes começam a rir de Gwynplaine, que fica triste e cobre sua boca com um lenço. Vemos o rosto dele em primeiríssimo plano, a câmera com foco nos seus olhos tristes, e em seguida temos um travelling vertical, onde Gwynplaine descobre sua boca e tampa seus olhos. Isto causa uma certa contradição ao que foi mostrado antes. A elipse é usada para que a cena não fique cômica, mas sim dramática.

As elipses que são feitas por alguma censura social, como cenas de sexo por exemplo, são as elipses de conteúdo. No filme, encontramos uma na cena em que o mensageiro que carrega uma carta para a duquesa Josiana a vê tomando banho pelo buraco da fechadura. A câmera tem como foco as pernas de Josiana, e o resto do corpo dela é visto apenas no reflexo da água, que está em movimento e também não permite que vejamos a figura da duquesa.

Análise: O Homem que ri - parte 05

2009-09-05T13:53:00.000-07:00

Mais uma parte da análise agora a parte que eu escrevi.

5. Iluminação

O filme incorpora com equilíbrio o realismo com pinceladas de Expressionismo. Nas cenas em que há apresentação de personagens a iluminação tende a ser expression ista.

Como, por exemplo, na cena inicial em que vemos o quarto do rei. Fica claro que a iluminação não é realista, pois há uma claridade excessiva para um quarto, centralizada na cabeceira da cama do rei, em contraste com as laterais, que estão praticamente na penumbra. Essa cena em questão traz apresentação do caráter do rei, que era facilmente manipulável. Enquanto a luz vinda de cima passa a impressão de poder, a luz divina, as luzes laterais deixam a mostra os rostos das e státuas que cercam a cama, quase todas direcionadas a ele, dando assim a idéia de que o rei está submisso a elas, logo, dando a idéia de que ele é influenciado por outras pessoas.
No restante do filme a luz tende a acompanhar a realidade. As cenas noturnas externas são escuras, só tendo como fonte de luz as luzes de lampiões. Um exemplo seria a cena em que Gwynplaine sai para se encontrar com Josiana. Cenas diurnas externas e as cenas internas são bem iluminadas, procurando reproduzir com fidelidade a luz do sol/luzes do palácio.
Essa junção de uma luz mais realista com a luz simbólica é a melhor maneira de adaptar o realismo e a construção da alma dos personagens apresentados no livro de Victor Hugo para o cinema.

Curiosidades - 100 anos de efeitos especiais (Video)

2009-08-30T08:53:00.000-07:00

Esse video é bem legal, além de mostrar a evolução das técnicas em efeitos visuais também mostra como algumas forma feitas.

Análise: O Homem que ri- parte 03 e 04

2009-08-29T13:43:00.000-07:00

Continuando com a análise, vamos ver os elementos fílmicos não expecíficos, que abrangem figurino, cenário e iluminação, onde só irei postar essa semana os dois primeiros que foram feitos pelo Ary e semana que vem eu coloco iluminação que foi a minha parte.

3. Figurino

O filme se passa na Inglaterra do século XVII, e o figurino foi em sua maioria realista, expressando bem as características dos vestuários dessa época, e de fácil percepção das diferenças entre as classes sociais, como a corte e a plebe. Por outro lado, em alguns personagens, notamos características simbolistas, como no maldoso Barkilphedro. Nele percebemos sua evolução dentro da corte durante o filme, pois ele passa de bobo da corte para conselheiro da rainha e depois para membro da Câmara dos Lordes. Percebemos essa característica também na personagem Dea, pois ela está sempre com roupas claras, sem decotes ou mangas curtas, o que acentua bem as características de pureza, ingenuidade e castidade. O contraste entre Dea e Josiana é facilmente percebido através do vestuário, enquanto uma é pura e ingênua, a outra é sedutora, livre e provocante com seus decotes, roupas brilhantes e uma camisola de cetim com rendas, que não pertencia ao período histórico, e foi utilizada para ressaltar a característica sedutora da personagem.

4. Cenário

O cenário, apesar de grande parte ter sido construído para o filme, possui em sua maioria características realistas, como por exemplo, a corte da rainha Anne, ou até mesmo a Feira de Southwark. Porém, o diretor possui grande influência do Expressionismo alemão, e notamos isso facilmente nos altos contrastes de preto e branco em algumas cenas, como por exemplo, na cena em que lorde Clancharlie é sacrificado na “Dama de Ferro”; e na estilização exagerada em uma cena específica logo no início do filme, quando vemos o quarto do Rei James II, com estátuas exageradamente grandes em volta da cama, denotando a importância e egocentrismo de quem repousa naqueles aposentos.
Percebemos também que em uma determinada cena há características do Impressionismo, quando Gwynplaine, ainda criança, acaba de ser abandonado pelos Comprachicos: vemos pegadas na neve e o garoto andando sozinho, perdido; nessa cena o cenário serviu para denotar essa solidão em que se encontra o personagem e ao vermos os cadáveres enforcados é reforçada a idéia de que ele está condenado á morte.

Curiosidades - A sétima arte?

2009-08-22T16:44:00.001-07:00

Para estrear a coluna de curiosidades, escolhi responder uma pergunta que me passava pela cabeça já algum tempo e que provavelmente já passou na cabeça de muita gente.

Você já se perguntou porque o cinema é chamado de sétima arte? E quais são as outras seis? Pois bem, o cinema foi denominado pela primeira vez como sétima artes no livro "Manifesto das sete artes"(1911) de Ricciotto Canudo, antes disso, no século XVIII, haviam apenas seis que junto com cinema formam o grupo das Belas Artes. Segundo Canudo, cada uma das artes é caracterizada pelos elementos básicos que formatam sua linguagem e classificadas da seguinte forma:

1ª Arte - Música (som);
2ª Arte - Dança/Coreografia (movimento);
3ª Arte - Pintura (cor);
4ª Arte - Escultura (volume);
5ª Arte - Teatro (representação);
6ª Arte - Literatura (palavra);
7ª Arte - Cinema (integra os elementos das artes anteriores somado a 11ª).

Mais tarde outras artes foram atribuidas ao manifesto:

8ª Arte - Fotografia (imagem);
9ª Arte - Arte Sequencial (Banda desenhada vulgo quadrinhos no Brasil, fotonovelas e outros tipos de novelizações sequenciais, infográficos);
10ª Arte - Jogos de Computador e de Vídeo (alguns jogos integram elementos de todas as artes anteriores somado a 11ª, porém no mínimo, ele integra as 1ª, 3ª, 4ª, 6ª, 9ª arte somadas a 11ª desde a Terceira Geração dos Videogames);
11ª Arte - Arte digital (integra artes gráficas computorizadas 2D, 3D e programação).

Fontes: Wikipédia, Pitoresco

Ánalise: O Homem que ri - parte 02

2009-08-22T11:47:00.000-07:00

Continuando com a análise do filme "O homem que Ri" agora com a análise dos enquadramentos e etc pela Natália.

2. ENQUADRAMENTOS, PLANOS E ÂNGULOS

Em “O Homem Que Ri”, o modo como a câmera foi utilizada foi fundamental para que o espectador pudesse sentir melhor a dramaticidade das cenas gravadas. Pode-se notar a presença de subjetivas diversas vezes durante a narrativa, seja para expressar a superioridade do rei (em uma cena logo no início do filme, em que Lorde Clancharlie se ajoelha perante o rei pedindo para ver seu filho, e em seguida temos uma subjetiva do rei em plongée, exaltando sua superioridade), seja para criar a sensação de que realmente fazemos parte do público que assiste à peça teatral.

A alternância entre subjetivas e objetivas dá ao espectador a sensação de que ele realmente faz parte da vida de Gwynplaine, pois quando ele está em cima do palco, atuando, a câmera é subjetiva, somos o público assistindo a sua tragédia. Em momentos mais íntimos, como quando Gwynplaine está com Dea, a câmera se torna objetiva, ou seja, não fazemos parte daquele momento, estamos apenas assistindo, sem sermos notados, o romance do casal.
Outro exemplo de câmera subjetiva bem interessante está no começo do filme, quando Barkilphedro está no quarto do rei para lhe contar que Clancharlie foi capturado. Nesta cena, Barkilphedro senta na cama do rei, e através de uma subjetiva temos a sensação de também estarmos sentados ali. Quando Barkilphedro se inclina para sussurrar sua mensagem no ouvido do James II (foto), a câmera se move para frente, rastejando como uma cobra, como se quisesse ouvir o que o bobo da corte tem para dizer ao seu rei.

Há também uma forte presença de planos gerais, que possuem um papel psicológico preciso, além de descrever o cenário e situar o espectador na história. Em diversos momentos na trajetória de Gwynplaine, vemos sua figura solitária em plano geral (quando os Comprachicos o abandonam, logo no início do filme e a cena de perseguição em que os nobres da corte decidem matar Gwynplaine), reforçando a sensação de impotência e o sentimento de solidão que habitam no personagem.

Os movimentos de câmera também desempenham uma função importante na narrativa. Em um determinado momento do filme, a rainha descobre que Gwynplaine é herdeiro de um dos lordes, e então o convoca para que vá até o seu palácio para que ele se case com Josiana. Dea e Ursus, ao receber a falsa notícia de que Gwynplaine está morto, são banidos da Inglaterra. No dia em os personagens vão cumprir seu “destino”, (Dea e Ursus vão embora da Inglaterra e Gwynplaine vai até o castelo), as charretes onde se encontram os personagens se chocam e suas rodas ficam presas, em uma doce ironia. Nesta cena temos um travelling para frente sobre as rodas, com a intenção de realçar a razão pela qual dali para frente os personagens terão que ir andando aos seus destinos.

Outra cena que também faz uso de um travelling: no fim do filme, Gwynplaine decide pular de uma torre consideravelmente alta para outra, já que está encurralado e os guardas estão atrás dele a fim de prendê-lo. Ele fica pendurado, e a cena se desenrola por alguns momentos nessa tensão, sem saber se ele vai ou não cair. Então, a câmera se torna uma subjetiva de Gwynplaine olhando para baixo. A câmera balança para reforçar a idéia de que o personagem pode cair a qualquer momento. Em seguida, temos um travelling para frente sobre o “público”, dando a impressão de que Gwynplaine está caindo. Isso ajuda a reforçar a dramaticidade da cena.

Na cena em que se nega a cumprir as ordens da rainha (casar com Josiana), Gwynplaine se rebela e diz “Um rei fez de mim um palhaço! Uma rainha fez de mim um lorde – mas antes de tudo, Deus me fez um homem!” (que pode ser visto aos 7:25 mins do video a cima). E então vemos uma cena de Gwynplaine em um enquadramento bastante inusitado: o personagem habita apenas a metade de baixo da tela, e acima dele não há nada. Este enquadramento reforça a frase do personagem, que então ergue as mãos em direção ao céu: entendemos que existe algo (ou alguém) superior e invisível acima dele, ou seja, Deus.

Em seguida, vemos Gwynplaine em contra-plongée, que o engrandece, e reforça a idéia de que agora ele não é mais oprimido, que ele vai impor suas vontades não importa o que a rainha ou os nobres façam.

Dicas - Dos Mangás para o Cinema

2009-08-19T12:09:00.000-07:00

Death note ganhará Filme pela Warner

O trabalho está a cargo da Vertigo Entertainment, que tem em seu currículo diversos remakes de filmes de j-Horror, entre eles O Grito e Água Negra.
O roteiro de Death Note está a cargo dos irmãos Charles e Vlas Parlapanides, e será focado nos 3 primeiros volumes do mangá de Tsugumi Oba e Takeshi Obata- ou seja, darão gancho para continuações.
Muito se duvidou em relação ao envolvimento da Warner no projeto, já que o estúdio recentemente havia investido (pesado, diga-se) em outro produto japonês e teve um baita prejuízo – (Speed Racer). Como Death Note está no terreno de um dos gêneros de maior sucesso nos EUA - o de adaptação de filmes japoneses de horror e suspense, que custam uma ninharia e arrecadam muito - é bem provável que emplaque como uma nova franquia.

Paradise Kiss vai virar filme

Não satisfeita com a repercussão que teve com Dragon Ball evolution agora a Fox pretende transformar o mangá Paradise Kiss de Ai Yazawa em filme.
O mangá conta a história de Yukari Hayasaka, uma jovem certinha que vive sob os comandos dos pais e se vê tentada a abandonar tudo e ingressar no mundo da moda quando conhece o ateliê Paradise Kiss.
O filme será produzido pela Fox International que é uma divisão independente da 20th Century Fox que produziu o Dragon Ball Evolution.

Fonte: eu curto anime.

Dicas - Os 10 Filmes mais esperados para 2010

2009-08-19T11:29:00.000-07:00

O site IMDB publicou uma lista nomeada "Top 10 Most Anticipated Movies of 2010" que mostra os 10 filmes mais esperados para o ano que vem. A seguir a lista dos filmes e uma pequena descrição de cada um.

1º Alice in wonderland:
Filme dirigido por Tim Burton e baseado no clássico "Alice no país das maravilhas" escrito por Lewis Carroll, o filme se passa 10 anos após a história original onde Alice, agora com 17 anos, em uma festa da nobreza em Oxford descobre que está prestes a ser pedida em casamento e desesperada foge seguindo um coelho branco e vai parar no mesmo lugar que ela visitou à dez anos e que não se lembrava mais.

2º Harry Potter and the Deathly Hallows, Part 1:
Mais um filme da franquia de Harry Potter. Neste filme Harry é encarregado de uma tarefa aparentemente impossível que é localizar os Horcruxes remanescentes de Voldemort.

3º Iron Man 2:
Continuação do Filme Iron Man (Homem de Ferro), lançado em 2008.

4º The Last Airbender:
Filme baseado na série animada de TV Avatar: The Last Airbender e será o primeiro de uma trilogia e tem previsão de lançamento para 2 de Julho de 2010.

5º A Nightmare on Elm Street:
Será uma refilmagem do clássico de terror de 1984 "A Hora do Pesadelo" de Wes Craven, onde Freddy Krueger é um serial-killer que aterroriza e mata jovens através de seus sonhos.

6º The Expendables
Produção escrita, dirigida e estrelada or Sylvester Stallone. O filme gira em torno de 5 mercenários que planejam derrubar um ditador sul-americano, mas para isso, eles terão de passar por alguns desafios para chegar ao ponto alvo da missão.

7º The Green Hornet
Filme baseado nas aventuras do super-herói dos quadrinhos Besouro Verde e seu ajudante Kato. Previsão de estréia para 2 de Julho de 2010 no Brasil.

8º Prince of Persia: The Sands of Time
Filme baseado no jogo de mesmo nome lançado em 2003. Será dirigido por Mike Newell e suas filmagens serão feitas no Reino Unido e em Morocco. Sua previsão de estréia é para Maio de 2010.

9º Remember Me
Dois jovens amantes têm sua relação ameaçada enquanto tentam lidar com suas respectivas tragédias familiares.

10º The Book of Eli
Em um futuro pós-apocaliptico em homem solitário cruza os EUA para proteger um livro que guarda os segredos da salvação da humanidade.

Fontes:
Interfilmes , Wikipédia , Cinema é Magia.

Ánalise: O Homem que ri - parte 01

2009-08-15T11:44:00.000-07:00

Para estreiar a coluna estou postando um trabalho que fizemos pra faculdade sobre o filme "O Homem que ri". A primeira parte, a introdução, foi escrita pelo Ary.

I-Introdução

A história segue o estilo dos romances de Victor Hugo (foto), cheia de tragédias, drama e reviravoltas. O filme começa com a morte do rebelde Lorde Clancharlie, preso em um lugar chamado “Dama de Ferro”, a mando do Rei James II. Porém, antes de ser condenado à morte, o Lorde fica sabendo que seu filho e único herdeiro, Gwynplaine, de apenas oito anos de idade, fora vendido pelo rei para um grupo de ciganos conhecidos como “Comprachicos”, que desfiguravam crianças para tornarem-se atrações de circo. A operação feita em Gwynplaine deu ao garoto um sorriso eterno. Os Comprachicos são então banidos da Inglaterra, sob pena de morte. Durante a fuga, os ciganos abandonam Gwynplaine, que passa a vagar sozinho na neve, e encontra uma mulher morta com um bebê, ainda vivo, no colo.

O garoto pega a criança, que é uma menina, e continua a vagar até encontrar uma cabana sobre rodas, moradia do filósofo Ursus e de seu cão Homo. Ursus acolhe os dois e os cria como filhos, dando o nome de Dea para a menina, que em latim significa “deusa”. Anos se passam e Gwynplaine já com 25 anos e Dea com 16 vivem viajando de cidade em cidade, com Ursus em sua “Caixa Verde”, fazendo apresentações teatrais por onde passam. Gwynplaine, por causa de sua deformação, passa a ser conhecido em suas apresentações como “O Homem que Ri”. O desenrolar da história se passa entre o sofrimento de Gwynplaine por achar que não merece o amor de Dea, já que esta é cega e não pode vê-lo como realmente é e pelo surgimento de outros personagens como a Duquesa Josiana (que é o oposto de Dea, e se apaixona por Gwynplaine e tenta seduzi-lo), a Rainha Anne (viúva do Rei James II), e o malvado e ganancioso Barkilphedro, que vive como Bufão (bobo da corte) do rei, conselheiro da rainha e ainda, membro da Câmara dos Lordes, a qual pertencia o pai de Gwynplaine.

A trajetória de Gwynplaine continua, até que ele é descoberto pela rainha como herdeiro de um dos membros da Câmara dos Lordes e assim ele é levado para ser ordenado como tal. Ursus e Dea são banidos da Inglaterra, após o malvado Barkilphedro mentir dizendo que Gwynplaine estava morto. Gwynplaine rejeita o cargo e foge para se encontrar com sua amada que já está partindo em um navio. Seguem então cenas de luta e perseguição, Gwynplaine foge para as docas seguido por Barkilphedro, que é atacado e morto pelo cão Homo. O filme termina com a vitória de Gwynplaine, que finalmente fica junto de Dea e assim, os dois vão embora, junto de Ursus e seu fiel lobo Homo. Para o filme, o final da história foi alterado, devido à praxe da época: finais felizes.

Na novela original de Victor Hugo, como Dea tem uma saúde muito frágil, morre após receber a notícia de que seu amado falecera. Gwynplaine, quando finalmente chega ao navio e vê Dea morta, comete suicídio devido à perda de seu amor. O filme foi dirigido pelo diretor alemão Paul Leni (foto) a convite do produtor também alemão Carl Laemmle. As gravações ocorreram nos estúdios da Universal e com o talento de Leni para cenários macabros (o mesmo também era cenógrafo), a combinação de morbidez e melodrama histórico possibilitou a produção de um dos mais belos e tristes filmes da época. O diretor foi responsável pela junção do Expressionismo alemão e o realismo norte-americano, integrando a plasticidade característica do cenário alemão, com a dinâmica das cenas de ação. O ator Conrad Veidt, fez uma das melhores interpretações do período do cinema mudo, tendo que usar uma dolorosa prótese para fixar o sorriso eterno de Gwynplaine.

Um dado curioso a respeito do personagem interpretado por Conrad Veidt, é que ele serviu de inspiração para Bob Kane e o roteirista Bill Finger para criarem o maior inimigo do Homem Morcego (Batman), o Coringa. Durante uma conversa entre eles sobre como seria o Coringa, Finger mostrou a Kane uma foto do ator Conrad Veidt caracterizado de Gwynplaine, surgindo ali a inspiração para o “palhaço vilão” mais famoso dos quadrinhos.

Nos conheça melhor!

2009-08-13T13:11:00.000-07:00

O que gosto da equipe do blog é que ela é bem eclética. Conheça agora melhor cada um.

Nome: Aristiades Rodriges Silva Júnior
Idade: 29 anos.
Função: Crítico e colunista.
Sobre: Mais conhecido por Ari, gosta dos filmes O Mágico de Oz, Cidade dos Anjos, As Horas, Moulin Rouge, Drácula de Bram Stoker, O Poderoso Chefão e dos diretores Francis Ford Coppola, Tim Burton, Steven Spielberg, Woody Allen, Pedro Almodovar. Gosta de escrever, ler,
assistir filmes e séries, é claro, e gostaria de trabalhar como roterista, diretor ou produtor.

Nome: Cleber Augusto Bezerra Gomes.
Idade: 21 anos.
Função: Colunista.
Sobre: Cleber, gosta muito de animações, principalmente japonesas, gosta de jogar, desenhar, e de tocar violão. Não te nenhum diretor que goste especifico. E gostaria de trabalhar como roteirista ou com animação.

Nome: Kelly Ribeiro dos Santos
Idade: 25 anos.
Função: Crítica e colunista.
Sobre: Senhor dos Anéis, Sete Samurais e E.T são seus filmes prediletos, assim como Spielberg, Tim Burton são seus diretores. Gosta de ler MUITO, principalmente coisas de Agatha Christie, Tolkien e Michael Ende. E gostaria de trabalhar com produção.

Nome: Ligia Helena Nunes von Villon Imbó
Idade: 21 anos.
Função: Webmaster e colunista.
Sobre: Gosto de coisas bem nerds pra ser sincera: ficção cientifica, informática, quadrinhos, mangá e animes, Harry Potter, etc. Meus filmes prediletos são O profissional, O poderoso Chefão e Star Wars. Gosto muito de Tim Burton, Afonso Cuarón. Nos tempos vagos gosto de escrever, desenhar e ouvir música e gostaria de trabalhar como roteirista, diretora ou produtora.

Nome: Natália Nonato Gouvea
Idade: 20 anos.
Função: Crítica e colunista.
Sobre: N.N. gosta de Sociedade dos Poetas Mortos, de Peter Weir, Donnie Darko, de Richard Kelly, O Escafandro e a Borboleta de Julian Schnabel e dos diretores Tim Burton, Steven Spielberg, Fernando Meirelles. Gosta de cinema, literatura, música, video - games, tecnologia, fotografia, design gráfico, história, mitologias, vegetarianismo. E não sabe ainda em que área deseja trabalhar.

Sejam Bem Vindos!

2009-08-13T12:08:00.000-07:00

Sejam bem vindos!

Esta em cartaz o Pseudocine!
Blog feito por estudantes de cinema, que amam o que estudam, persuadidos por essa que vós fala. Uma blogueira frustrada que necessitava de uma boa equipe.
Com o objetivo de trazer de forma agradável, divertida e ao mesmo tempo responsável o melhor do cinema.
O blog oferecerá as melhores criticas, agenda cultural, dicas, informações e muito mais.
Então pegue sua pipoca, sente-se e aproveite!